Quan el Museu Hirshhorn i el Jardí de les Escultures va obrir les seves portes el 1974 a Washington, DC, The New York Times el va qualificar com a “el tresor cultural més nou de la capital”. En comparar el Hirshhorn amb una imatge de René Magritte, els periodistes van destacar la “juxtaposició de l’home i la natura amb l’arquitectura”, la fusió harmònica de llum i forma, interiors i exteriors, que caracteritza la seva col·lecció d’art modern i contemporani.
El 31 d’octubre, el Hirshhorn té previst presentar un nou tresor cultural: el jardí de escultures renovat, amb un pressupost de 68 milions de dòlars. El projecte s’ha estat gestant durant anys, dissenyat per l’artista japonès Hiroshi Sugimoto—qui també va redissenyar el vestíbul del museu el 2018. L’espai reorganitzat de 1,3 acres, amb 30.000 noves plantes i arbres, s’inspira en el disseny original de l’arquitecte Gordon Bunshaft. Forma part d’una transformació més àmplia del museu, que inclou reformes a la plaça i a la infraestructura de l’edifici.
Presenta 60 obres—21 d’elles provinents de la instal·lació de 1974—el jardí renovat inclou cinc entrades, miradors a l’est i a l’oest i un passatge subterrani de metall inoxidable. Sugimoto descriu el seu acabat mirallat com a “reflectint el jardí i les persones que hi circulen, una experiència en sí mateixa—que es transforma contínuament per la interacció de la llum, la natura i els visitants”.
Els camins i les alcoves queden definits mitjançant murs de pedra apilada, cadascun seleccionat a mà i disposat per l’artista. “Bunshaft estava profundament influït pels jardins de pedra del Japó medieval,” diu Sugimoto a The Art Newspaper. “Inspirat per això, vaig decidir que un mur de pedra seca japonès serviria com a enllaç simbòlic entre l’antic i el modern, oferint el marc perfecte per a les escultures modernistes del museu.”
La inauguració del jardí arriba després de molts anys de controvèrsia. La visió inicial de Sugimoto per a l’espai va ser objecte de crítiques. L’any 2021, Charles A. Birnbaum (president i directiu general de la Cultural Landscape Foundation) va afirmar que el pla de pedra apilada “desestabilitza fonamentalment” el disseny modernista del jardí i la “intenció artística” de Bunshaft i de l’arquitect paisatgista Lester Collins.
Segons el Hirshhorn, s’han fet ajustaments al disseny inicial de Sugimoto fa cinc anys, després d’un procés de consulta pública així com reunions amb la National Capital Planning Commission i la Commission of Fine Arts. L’any 2022, el museu va acollir una cerimònia de la primera pedra amb Jill Biden. “Em va impressionar la reacció en contra,” va dir Sugimoto en aquell moment.
Actualment, Birnbaum insisteix que l’“arquitectura del paisatge” del Hirshhorn és una forma d’art i exhorta el museu a “concedir-li la mateixa supervisió curatorial, cura i respecte que la resta de la col·lecció material”.
Una sensació de calma
La pràctica de Sugimoto és meditativa, basada en un estudi atent del món natural. “Hi ha un manual japonès de jardineria del segle XI, Sakuteiki, que ens diu que ‘hem d’escoltar les veus de les pedres’,” diu. Cada pedra té la seva pròpia personalitat, pes i direcció. Afegeix: “La meva tasca no és només col·locar-la, sinó descobrir on ja vol estar; la precisió prové d’escoltar amb prou atenció per trobar aquesta posició inevitable.”
Aquest sentit d’equilibri és present al llarg de tot el jardí. Amb bancs per a la reflexió en silenci i reces ombrejades i apartades, les zones verdes conviden a una concentració profunda, a una atenció i al gaudi pel joc de formes. “No es tracta només de mirar l’art,” diu Aaron Seeto, leviceo? del Hirshhorn, “sinó de mirar-lo mentre el jardí mateix va canviant.”
Les escultures dins de l’espai s’organitzen de forma cronològica. El jardí de l’est inclou una còpia de The Burghers of Calais de Auguste Rodin (1884-89), les seves sis figures carregades i el coll lligat en una processó fosca. A prop seu es troba The Backs I-IV (1909-31) de Henri Matisse, una sèrie de nus abstractes en relle de bronze, les siluetes angulars de les quals capturen la llum.
“King and Queen” de Henry Moore (1952-53) és una de les cinc obres de l’artista a la vista. Representa una parella de figures assegudes, les cares abstractes i la corba de les espatlles suau i líquida. “Joseph Hirshhorn va ser una de les amistats més properes de Moore i un dels col·leccionistes més significatius de la seva obra,” diu Godfrey Worsdale, director de la Henry Moore Foundation. (Joseph Hirshhorn va posseir 55 sculptures de Moore, i el quart matrimoni d’Hirshhorn va tenir lloc abans d’una còpia de l’obra Upright Motive No. 1: Glenkiln Cross.) Worsdale aplaudeix el jardí renovat perquè ofereix “accés lliure a l’obra de Moore per a les noves generacions”.
A l’oest, jardí que acull noves comissions, s’alça la sèrie Sentinels of Stillness de Yoshitomo Nara (2025)—tres caps monumentals, elaborades en alumini i recobertes amb una pintura blanca brillant. Després del terratrèmol de Tòhoku i del desastre nuclear de 2011, Nara va descobrir que ja no podia pintar i va passar a esculpir. La seva activitat en modelar argila va servir com una mena de curació per a ell.
D’aquesta manera, la peça 6 de Liz Larner (2010-11) és un cuboid d’acer inoxidable en tons ocre profund, lila i blanc, amb les línies, com tentacles, que semblen expandir-se i contraure’s com si quedessin suspeses a l’aire. L’obra és una mena de “variable en l’espai”, diu Larner, que s’absorbeix pel concepte matemàtic de x (l’incògnita). Seguint la tradició de l’artista surrealista Meret Oppenheim, Larner explora l’indefinible, “la variable d’una variable, les perspectives canviants que no s’ossifiquen.”
De manera similar de fluïda és Dancing at Dusk (2024) de Raven Halfmoon, una obra veïna de travertí crema, vermell-cobre i gris pissarra. Halfmoon, ciutadana de la Nació Caddo, assenyala la violència i la força, combinant aquests temes en una peça de pedra estriada—la seva primera en aquest mitjà—acompanyada d’una línia de creus. Hi ha una mena de solemnitat a l’obra, un rostre compost resolt, que s’enfronta al món tal com és.
Aquest pathos s’estén fins a SHELTER (2026) de KAWS, una tècnica en bronze d’1,2 metres (14 peus) que recorda una mare i un fill—els ulls creuats, el modelatge suau, fins i tot tendre. És un abraç càlid, les dues figures envoltades per un til que penja per sobre.
Hi ha una quietud en el nou espai del jardí del Hirshhorn, una sensació de calma en una ciutat capitalina que normalment és ràpida. “Espero que la gent experimenti una sensació de temps diferent dins el jardí,” diu Sugimoto. “Les escultures, les pedres, els arbres, l’aigua i la llum que canvia existeixen totes en rellotges diferents. El jardí ens permet alentir el nostre propi rellotge prou per prendre consciència d’aquestes diferències.”
