«Fem diners!» crida Steph McGovern, la presentadora de The Big Deal, el nou programa de jocs de format reality de la televisió de la BBC, exhortant les seves set parelles de concursants novells a convertir-se en galeristes d’art d’èxit.
Creat per la companyia de producció nord-irlandesa Stellify Media, la sèrie de sis capítols segueix el format bàsic de la llarga durada Bargain Hunt de la BBC, on dues parelles de concursants aficionats intenten guanyar diners comprant antiguitats. Aquí els equips s’amplien fins a set, l’art contemporani és allò que intenten convertir en grans beneficis i hi ha un element d’eliminatòria episòdic, com en programes com The Great British Bake Off. Això deixarà una parella guanyadora que s’emportarà un premi de 50 000 £ en forma d’art britànic brillant.
Els concursants, escollits “de tots els àmbits de la societat”, intenten obtenir tants diners com sigui possible venent obres de joves graduats de les escoles d’art en una petita subhasta a Londres; decorant llars executives de luxe; venent gravats a una fira especialitzada a Margate; comercialitzant obres de dos artistes amb seu a Berlín en una subhasta en línia; i així successivament. Els artistes són poc coneguts, els preus són baixos i les peces cridaneres i de post-Pop que es negocien tenen un atractiu decoratiu i de fàcil mirada. La competició és supervisada per McGovern, periodista financera i filla d’un escultor, i Cordelia de Freitas, la directora de Aqua Art Fair de Miami.
Puristes podrien alçar les mans amb horror davant la gamificació d’un negoci de nínxol tan financer i intel·lectualment pesat com el mercat de l’art contemporani, però, ja se’n sap, The Big Deal és per a passar-s’ho bé.
“Tot sabem que tenim un gust primerencament bo,” diu McGovern, “comprar i recollir art és alguna cosa a què tots podem provar d’afrontar.” D’acord. I el programa té els seus moments. L’enfoc del tercer capítol sobre gravats de tirada limitada a aquella fira especialitzada a Margate, per exemple, ofereix una porta d’entrada valuosa al mercat que rara vegada ocupa gran part de l’atenció mediàtica.
Però per l’amor de Déu, això és la BBC. Aquesta és la cadena que ens va portar un cop Ways of Seeing de John Berger, la primera sèrie de televisió que va fer l’anàlisi estructural de l’art accessible a un públic popular, i les sorprenents entrevistes de David Sylvester amb un Francis Bacon eloqüent i begut.
Potser l’aspecte més desmoralitzant de The Big Deal no és tant que el seu enfocament del mercat de l’art contemporani sigui tan menyspreat, sinó que l’art mateix és tractat només com una mercaderia per fer diners. Tant si es tracta del freak show d’Inigo Philbrick (The Great Art Fraud, emès el 2025) com del programa de McGovern, l’art a la TV de prime time de la BBC sembla avui dia girar al voltant del negoci, i no de l’art. Com diu, cansadament, una de les meitats del duo d’artistes berlinès 44flavours, en el quart capítol, mentre un concursant regira les ràtios de comissió: “El focus hauria de posar-se més en la feina que en la venda.”
Una mentalitat de treure diners de la galeria
Aquestes emissions de la BBC reflecteixen, al seu petit nivell, els esforços concertats que la banca financera impulsada per la tecnologia ha realitzat en les darreres dècades per monetitzar i convertir l’art refinat en una inversió de compra i venda ràpida. El gran públic que mira la televisió —i les persones que encarreguen els programes que veuen— sembla haver adoptat clarament aquesta mentalitat de treure diners de la galeria.
Ara el mercat internacional d’art en la vida real està a punt d’entrar en un nou cicle de negoci: les fires Frieze London i Art Basel Paris s’aproximen al mes d’octubre. Comerciants professionals amb galeries físiques cares de mantenir-se davant la incertesa de canvis geopolítics, tecnològics, financers i demogràfics. Com s’ha informat àmpliament, les cases de subhastes tanquen amb bons resultats. Però vendre art contemporani, especialment art nou, està demostrant ser una lluita per a molts galers a tots els nivells del mercat.
“Art Galleries Art Not OK” va ser el titular d’un article d’opinió molt comentat per Marc Spiegler, l’antic director global del grup de fires Art Basel, publicat al The New York Times al juny.
“La incertesa s’estenia,” va escriure Spiegler, després d’haver parlat amb diversos venedors abans de la fira Art Basel a Suïssa. Afegia: “Molts rematen els fonaments del seu negoci. Són com si el món de l’art que coneixen s’hagués desequilibrat.”
Molts oferixen solucions per a aquesta mala salut. Spiegler ha suggerit que les galeries continguessin la revenda i cultivessin mercats locals, en lloc de gastar una fortuna en fires i seus internacionals. Molts creuen que la transparència de preus impulsaria les vendes a les galeries. Concentra’t en allò que pots vendre, no prenguis riscos. I segur que la intel·ligència artificial (IA) pot aportar beneficis, potser permetent als comerciants compartir informació mútua beneficiosa, com els millors enviadors de valor o proporcionant anàlisis de dades transformadores? L’edició d’art i tecnologia de la Conferència de Negocis de l’Art a Londres a l’octubre demanarà a joves empreses tecnològiques quatre presentacions de quatre minuts sobre com “revolucionar el mercat”.
“Més que mai, una cosa és clara: això és un tema en emergència sense una solució fàcil,” va escriure el comentador del mercat de l’art Josh Baer al seu butlletí en línia Baer Faxt a l’agost, després d’organitzar un podcast amb Spiegler i la destacada assessora d’art de Nova York Amy Cappellazzo sobre els reptes que afronten les galeries contemporànies.
Una vegada més, hi ha un element que tendeix a passar desapercebut, si no oblidad, dins d’aquest debat: l’art. El producte real que aquestes empreses intenten vendre. Gràcies a dècades de finançialització, quan en aquestes discussions s’empren paraules com “art” i “artistes”, tendeixen a convertir-se en noms abstractes vagues i indivisibles. Aquesta és la mercaderia, aquests són els proveïdors de mercaderia, els números i noms que les galeries ofereixen a través dels seus canals de comerç millorat per la tecnologia.
“Has de qüestionar les teves suposicions tot el temps per ser excel·lent,” va afirmar Cappellazzo al podcast de Baer. Tot i això, una de les suposicions no dites i constants del mercat és que les escoles d’art mundials, especialment als EUA i a Europa, continuaràn produint artistes excel·lents, alguns dels quals es convertiràn en la propera gran cosa i impulsaran el creixement, o almenys nivells estables de negoci.
Mentrestant, les grans coses de l’art contemporani s’estan envellint i deixant pas. Yayoi Kusama, cuyas obres van generar 162 milions de dòlars en subhastes el 2022, segons Artprice, va morir a l’agost. David Hockney, la pintura de 1972 Portrait of an Artist (Pool with Two Figures) va obtenir 90,3 milions de dòlars a Christie’s el 2018, aleshores un rècord d’ençà d’una obra d’un artista vivent, va morir al juny. Tots dos tenien prou edat per haver fet art revolucionari durant els anys sísmics de la contracultura dels anys 60, quan totes les suposicions s’estaven qüestionant.
És clar, les pintures de Kusama i Hockney, especialment de les seves etapes primerenques clau, continuaran obtenint preus enorme en un mercat que cada vegada valora més les anomenades “blue chip”.
Quadres que desapareixen
Però on són els pintors vius que ompliran els forats del mercat deixats per aquests gegants? Perquè el mercat, ja sigui una casa de subhastes, una fira d’art o una galeria, continua girant al voltant del mitjà antic de la pintura, encara que li costi dir alguna cosa especialment original o que qüestioni les seves suposicions sobre els temps d’entropia alarmant que vivim. La decisió de Frieze, amb mirada biennal, de posar als 25 millors obra del segle XXI publicada l’octubre passat no va incloure cap pintura (tot i que hi havia una obra sobre paper de Marlene Dumas). Per descomptat, els comerciants troben molt més difícil treure’n diners de la performance, instal·lació i art en vídeo. Són una combinació difícil en un pis de Manhattan, Miami o Mayfair.
Segons Cappellazzo, els artistes estan utilitzant IA “com bojos” en aquest moment. A mesura que la nostra cultura, de manera conscients i inconscient, es fixa cada vegada més en l’aprenentatge automàtic, podria l’art generat per IA ser el camí a seguir per les galeries contemporànies?
Al agost, la científica de dades socials amb seu a Londres, Lauren Leek, va publicar un Substack destacat, “Temperature Zero for Culture: Why Everything Is Starting to Look the Same,” que analitza com els algoritmes estan fent que tants aspectes de la nostra vida cultural—ja sigui pubs, carrers principals, cançons pop o pel·lícules—s’apleguin en una mateixa forma uniforme.
Leek apunta que l’anticipació algorítmica de les preferències dels consumidors—que, en un sentit, és el processament hiperràpid d’hiper-suposicions humanes—conduirà a una monocultura que pot comportar risc. “Una monocultura és eficient fins que canvia el temps,” diu Leek. Afegeix, amb to més omínós, que si dependrem massa del llegendatge predictiu de l’aprenentatge automàtic, “perdem la capacitat de saber la diferència entre el que la gent volia i el que el sistema va facilitar que es volguessin.”
No hi ha cap raó perquè l’art contemporani—particularment la pintura—hagi de ser immune a aquest tipus de risc monocultural. Mira Instagram. Fes un volt per una fira d’art. Mira The Big Deal. Això és el que la gent vol? O és això el que el sistema vol que la gent vulgui?
