Utanhole, KaiKai Kiki Gallery, en curs
La jove artista japonesa Utanhole crea pintures de somni, de to pastel, que combinen la tensió cinematogràfica amb la precisió al estil manga. Nascuda el 2001, es va graduar en la Universitat de les Arts de Tòquio el 2025. Ella descriu el seu estil característic com a “violència suau”, un concepte temàtic definit per contrastos emocionals i visuals intensos. Les pintures d’Utanhole retraten joves figures plàcides amb colors suaus, formes delicades i rostres innocents, en escenaris caòtics de ciutats que s’esfondren, espais plens d’armes i explosions mortals, ressaltant la forta dicotomia entre innocència i caos. La seva obra s’inspira en el chūnibyō, terme japonès que designa fantasies adolescent fosques i intenses. En lloc de sorprendre, el debut en galeria en solitari de l’artista resident a Tòquio presenta noves pintures de gran format i una selecció de dibuixos que exploren les estratègies d’afrontament internes i desitjos característics de la cultura juvenil contemporània.
Semilles i arrels: com cultivar una ciutat, Tokyo Opera City Art Gallery, fins al 20 de desembre
Explorant com els residents de la ciutat poden tornar a connectar amb la natura en un entorn cada cop més artificial, aquesta exposició col·lectiva usa l’art per investigar els nous ecosistemes que prosperen als forats de l’asfalt, incloses espècies exòtiques, plantes auto-sostenibles i éssers que coexisteixen amb el ciment i el plàstic. Els temes centrals són la redefinició de la naturalesa urbana, la revitalització de les sensacions corporals i la integració de perspectives interdisciplinàries. A mesura que les activitats humanes alteren els ecosistemes, la frontera entre el natural i l’artificial es difumina. L’exposició promou la convivència amb aquests canvis en lloc de resistir-hi o tornar al passat. Les obres són llavors metafòriques que inspiren els visitants a imaginar arrels que es reconnecten amb la terra i els sentits. La mostra inclou artistes com Tomoko Azumi, Yasutake Iwana, Akari Kaneko, Akiko Ikegami, Yoko Daihara, Yoji Ohno i Akane Saijo, que utilitzen activitats quotidianes — viure, vestir, menjar i excretar — per reimaginar el nostre entorn.
Miho Dohi, Hagiwara Projects, fins al 12 de desembre
Una destacada artista japonesa, Miho Dohi és internacionalment coneguda per les seves petites escultures abstractes, estratificades i tàctils, que ella anomena buttai, un terme japonès que fusiona els caràcters per “cos” i “cosa”. Ella produeix assemblatges enigmàtics que combinen de manera creativa materials naturals comuns amb peces industrials, basant-se en la intuïció, l’experimentació i l’activitat física més que en la planificació preestablerta de formes fixes. Durant la creació, gira repetidament les seves peces per allunyar-se d’una única perspectiva. El procés s’acaba quan emergeix de manera natural una estructura original i inesperada del caos. De tornada a la galeria per la seva quarta exposició en solitari, la escultora de Kanagawa presenta noves obres en materials que semblen pesants però pengen lleugerament de les parets o del sostre, com si flotessin a l’espai.
Alicja Kwade: La pesca miraculosa, Pace Gallery, fins al 25 de desembre
Alicja Kwade és una artista conceptual reconeguda per la seva obra interdisciplinària en diversos mitjans, totes orientades a qüestionar la percepció humana. Nascuda a Polònia i radicada a Berlín, és reconeguda pel seu enfocament metòdic, gairebé científic, de preguntes existencials abstractes. Fa servir materials naturals i objectes quotidians per explorar idees filosòfiques i científiques profundes, incloent l’espai, el temps, la gravetat i les construccions socials. La seva primera exposició en solitari a Pace Tokyo investiga l’espai buit — l’espai interior i l’espai entre objectes — i l’entremig no vist, no experimentat i desconegut. A través d’escultures i obres sobre paper que inclouen préssecs, rellotges, túnels, pedres i agulles de rellotge, l’exposició aborda què constitueix el món, l’espai de transició entre objectes, i les reflexions del públic sobre l’existència.
Nam June Paik: el 20è aniversari de la seva defunció, Watari-um, el Watari Museum of Contemporary Art, fins al 23 de novembre
Conegut com el “pare de l’art de vídeo”, Nam June Paik va formar-se com a pianista clàssic i musicòleg abans de convertir-se en un art visual. Figura clau del moviment avant-garde Fluxus dels anys seixanta, l’artista coreà-americà va transformar l’art modern utilitzant televisions, xarxes de difusió i dispositius d’enregistrament de vídeo com a materials per a escultura, performance i instal·lació. Basant-se en la rica col·lecció del museu, la retrospectiva examina com les seves idees innovadores —que combinen tecnologia, filosofia oriental i natura— segueixen sent actuals en l’actual món de telèfons intel·ligents i IA. En lloc de considerar-lo només com a un artista centrat en la tecnologia, l’exposició destaca Paik com a intèrpret i pensador profund. El títol japonès de l’exposició, Jugemu, prové d’una història tradicional de rakugo sobre la vida sense fi, simbolitzant la idea que l’art i l’impacte de Paik perduraran per sempre.
