El Museu Calouste Gulbenkian va tornar a obrir a Lisboa el dissabte 18 de juliol, després d’una reforma de 18 mesos. Anomenat després del magnat i col·ccionista armeni, considerat un dels homes més rics del món quan va morir el 1955, el museu va programar la seva reobertura per al 70è aniversari de la fundació homònima de la qual forma part. Impulsada per la necessitat de revisar sistemes essencials —en particular la seguretat, la protecció contra incendis, la ventilació i l’enllumenat—, la reforma de 7,8 milions d’euros buscava tornar la mostra “tan proper com sigui possible al seu estat original de 1969”, segons diu Xavier Salomon, el director recentment nomenat del museu.
Calouste Gulbenkian va néixer a Estambul l’any 1869, quan era la capital de l’Imperi Otomà, en una família armènia de comerciants i banquers que comerciaven matèries primeres que, a la fi del segle XIX, incloïen petroli. Conegut com “el senyor cinc per cent”, va acumular una gran fortuna gestionant l’explotació de les reserves de petroli a l’actual Síria i Irak. Com a col·leccionista de tota la vida, insistia en “només el millor”, acumulant una col·lecció personal de més de 6.000 objectes que inclouen monedes, llibres rar, tapissos renaixentistes i rajoles islàmiques, cristalleria i catifes, així com mobles francesos del segle XVIII i plata.
L’any 1930, Gulbenkian va adquirir obres importants de l’Ermitage, inclosa la Diana de Jean-Antoine Houdon (1780), el Retrat d’Helena Fourmont de Peter Paul Rubens (1630-31) i dos Rembrandts. “Com a col·leccionista, Gulbenkian és fascinant perquè la seva visió era tan àmplia, molt més que la de Henry Clay Frick”, diu Salomon, que abans va ser cap de curadoria a la Frick Collection de Nova York, a The Art Newspaper.
Tot i ser ciutadà britànic des de 1902, Gulbenkian va passar els últims 15 anys de la seva vida a Lisboa. La fundació filantròpica que va heretar la seva herència—creada pòstumament el 1956, amb actius que avui sumen al voltant de 3,5 mil milions d’euros—va inaugurar la nova seu a Lisboa l’any 1969, l’any del centenari del naixement de Gulbenkian. El conjunt, situat en una àrea verda a les vores de la ciutat, incloïa un museu per a l’exposició de les seves col·leccions.
Dissenyat pels arquitectes portuguesos Alberto Pessoa, Pedro Cid i Ruy Jervis d’Athouguia, el museu va seguir una organització tant geogràfica com cronològica. Els consultors del projecte inclouien el britànic Leslie Martin, un dels arquitectes de la Royal Festival Hall; l’etnòleg francès Georges Henri Rivière, aleshores director del Consell Internacional de Museus; i l’arquitecte i dissenyador italià Franco Albini.
El resultat va ser un edifici de planta baixa, en una paleta austera de fusta, granit, marbre i formigó armat, amb àmplies façanes de vidre que permetien vistes cap al parc i cap als patis ajardinats. Integrant les arts plàstics i decoratives, el museu va exhibir les seves joies en un marc Brutalista amb una forta influència japonesa.
A mesura que passaven els anys, les reparacions i els canvis en la visió curatorial van diluir la idea original. Mentre algunes vitrines, amb dissenys clarament influenciats per Albini, van desaparèixer, d’altres van perdre els revestiments de seda anglesa en favor de pintures de cost més baix. La catifa de color verd musc de les galeries europees va cedir lloc a planxes de fusta envernissades, i les vistes entre galeries i l’exterior quedaven bloquejades o difuminades.
Com a impulsor, Salomon, que va assumir la direcció del museu a meitat de la renovació, en col·laboració amb les arquitectes Teresa Nunes da Ponte i Frédéric Ladonne, ara el museu presenta una versió actualitzada de la seva exposició de 1969, amb vidre anti-reflex i il·luminació LED a tot arreu.
A la secció del món islàmic, les làmpades de mesquita mamlúquies del segle XIV tornen a estar en vitrines individuals, mentre a les galeries d’Àsia el gran taulell expositiu en zig-zag ha tornat en una forma més pràctica; on l’original tenia només una obertura, cosa que obligava els manipuladors d’objectes a arrossegar-se per dins per col·locar les peces, la versió de 2026 es pot accedir des de diversos punts.
Dissenyat per l’especialista francès ACL, el nou sistema d’il·luminació del museu reprodueix la brillantor àmbar dels anys seixanta, però millora molt la legibilitat.
Tot i que les fotografies de l’exposició de 1969 van orientar la reforma, no és una còpia exacta. Per allunyar l’espai de les galeries d’antiguitats, un antic estudi que abans estava tancat al públic s’ha transformat en un nou gabinet numismàtic per a l’exhibició de monedes—l’únic espai afegit com a part de la renovació. El relleu guardià alat assiri, ara netejat i restaurat, s’ha traslladat a una posició més destacada. I una galeria que mostra l’obra del dissenyador francès René Lalique també s’ha transformat amb cortines de seda, exhibint vidre i joieria de l’Art Nouveau i l’Art Déco en diàleg amb pintures d’Edward Burne-Jones i John Singer Sargent.
Al llarg del museu, en acord amb l’esperit de 1969, les etiquetes són breus i al gra, i les pantalles multimèdia són totalment absents. “Són distraccions, i en edificis arquitectòricament purs com el nostre, només fan que semblin horribles”, diu Salomon a The Art Newspaper. Per al nou director—que recorda haver-se inspirat en el Museu Gulbenkian quan es van traslladar les col·leccions Frick a l’edifici Breuer dels anys seixanta—la renovació restableix “la relació única del museu entre l’art, l’arquitectura i la naturalesa”.
